1. L'art est une manifestation des facultés créatives et imaginatives de l'humanité qui, comme toutes ces disciplines créatives, est conditionnée dans une large mesure par la somme de son histoire.

2. Qui décide de ce qui constitue un art important est décidé par un consensus des artistes, critiques, conservateurs et historiens les plus respectés qui reconnaît au fil du temps les artistes qui ont fait du travail, et une contribution au développement de l'art, ce qui est significatif et durable.

Les artistes, en fin de compte, décident de ce qu'est l'Art parce que ce sont eux qui le font.

3. Pour être Art, une œuvre doit être profonde, résonnante et durable. Œuvre signifiante «profonde» qui possède des qualités qui nous impressionnent par une autorité et une cohérence particulières, ou qui aborde des thèmes ou des problèmes importants. «Résonnant» signifie que l'œuvre a une qualité particulière d'engagement, une manière dont l'œuvre peut être vécue, appréciée et «comprise» de manière significative par le spectateur. `` Durable '' signifie que l'œuvre possède une profondeur suffisante - non seulement en tant qu'œuvre à elle seule, mais aussi en tant qu'indicateur de ce qui se passe dans la pratique de l'art - pour que nous puissions y revenir année après année pendant des décennies et des siècles. .

4. Pour être de l'art (avec un «A» majuscule, signifiant un art historiquement important), une œuvre doit dire quelque chose d'important sur la condition de l'art, ou ce que c'est d'être humain, sur la condition contemporaine de la société, être profondément inspirante en termes esthétiques, ou par la force des idées contenues dans l'œuvre.

5. Une grande confusion entourant l'art survient parce que nous utilisons le même mot pour désigner un art historiquement important et d'innombrables autres formes de pratique créative et d'expression. Nous sommes réticents et avons souvent du mal à faire des distinctions entre les produits d'un passe-temps agréable et les œuvres d'art que nous considérons comme parmi les plus belles incarnations de la culture humaine.

6. Un individu peut penser que l'art est ce que le spectateur pense qu'il est, et cela peut être vrai pour la personne concernée, mais que quelque chose soit de l'art ou non est défini par un consensus qui, en raison de la lenteur minutieuse de sa construction , est à la fois fiable et durable. Il ne fait aucun doute que Pablo Picasso était un artiste important. Le travail de Picasso a été reconnu par des générations successives d'artistes, d'historiens, de conservateurs et de critiques comme étant significatifs, innovants et profondément influents. Quel que soit le cours ultérieur de l'art. aucune opinion individuelle et personnelle ne peut modifier le fait que l'œuvre de Picasso occupe une place significative dans le développement et l'histoire de l'art.

7. Peu de critiques de l'histoire ont apprécié le nouvel art au moment où il est apparu. La plupart des critiques se sont vigoureusement opposés à presque tous les développements importants de l'art, y compris l'impressionnisme, qui a mis plusieurs décennies à être accepté par les critiques avant de devenir finalement massivement populaire auprès du public. L'incapacité critique à comprendre et à être en mesure d'expliquer les développements artistiques depuis les débuts de l'art moderne au milieu du 19e siècle, a grandement contribué à l'échec de la compréhension publique de l'art.

8. Il est possible d'apprécier et de comprendre un nouvel art au moment de sa création, bien qu'il soit difficile, voire impossible, de parvenir immédiatement à un jugement définitif sur la valeur d'un artiste. Après environ vingt ans de production d'œuvres substantielles à travers des expositions successives, nous pouvons commencer à considérer l'œuvre d'un artiste comme significative. Après une période de cinquante ans, ces jugements commencent à devenir définitifs et changeront probablement peu.

9. Il y a rarement plus de quelques centaines d'artistes significatifs au cours d'un siècle, donc en moyenne un, deux ou trois par an partout dans le monde. Les œuvres qui font partie du «canon» de l'art historiquement significatif sont extrêmement rares. L'accumulation de ces œuvres sur des décennies et des siècles constitue une histoire de l'art consensuellement reconnue.

10. Les développements artistiques sont motivés par un petit nombre d'avancées particulièrement significatives, réalisées par très peu d'artistes et qui se produisent rarement, étant donné la quantité même de production «artistique». La forme et l'apparence de l'art du XXe siècle ont été soulignées par le travail de seulement un ou deux cents artistes, comme c'est le cas à toute époque et tout médium artistique. Le style blues de la musique de guitare a été créé par une poignée d'individus, et pourtant la forme blues a été copiée par des dizaines de milliers de musiciens pendant près d'un siècle, devenant finalement un pastiche fade et dénué de sens comparé à l'origine profonde et bouleversante de la forme. , dont les créateurs ne sont souvent pas reconnus.

11. Un travail important modifie ou étend généralement les possibilités de ce qu'est l'art, informant ainsi la «condition» de l'art. L'art qui est important informe la condition de l'art.

12. Une œuvre d'art contient un certain nombre d'éléments - si elle contient un sujet, ce qu'elle tente de représenter et comment, en utilisant quels matériaux, formes et techniques. C'est la résolution du dialogue de ces inter-relations au sein d'une œuvre qui donne à une œuvre la complexité, la substance et la profondeur, ce qui rend l'art significatif et c'est pourquoi il perdure.

13. Les idées et l'expression dans tous les arts sont généralement simples à comprendre. Les processus de communication, de reconnaissance mutuelle et de compréhension articulent la communauté de l'expérience humaine - ce que nous partageons, ce que nous apprécions et pourquoi. Les arts consolident les valeurs que nous connaissons nous définissent comme des êtres humains civilisés. La personne moyenne est capable de percevoir ce qui est bon et cohérent dans n'importe quel art. C'est la cohérence qui fait du grand art et les humains ont une capacité innée à détecter ce qui est cohérent et ce qui ne l'est pas. Chacun peut ainsi apprécier l'art, qu'il soit capable ou non de le faire.

14. Les beaux-arts sont, sans doute, la forme la plus pure et la plus élevée de créativité car ils n'ont pas de matière première proscrite et sont plus libres de s'engager dans le monde des idées. La musique utilise le son, la littérature utilise le langage, mais l'art n'utilise que la forme pertinente, qui, pour la plupart de l'histoire, a été une sorte d'image ou une forme tridimensionnelle. Étant vécue visuellement, une œuvre d'art possède une clarté et une immédiateté que la plupart des autres formes d'art n'ont pas. Un livre prend plus de temps à lire. Un film doit être vu dans son intégralité. La musique est sans doute plus captivante car elle est physique et continue mais est généralement écoutée dans son intégralité. La nature visuelle de l'art crée une forme d'engagement qui est à la fois immédiate et lente à absorber pleinement.

15. Il ne suffit pas qu'une œuvre soit de l'art «parce que l'artiste le dit». Cette approche de l'art est tirée du travail et des idées de Marcel Duchamp qui, dans les premières décennies du XXe siècle, exposait des objets du quotidien affirmant qu'ils étaient de l'art parce que lui, l'artiste, les avait sélectionnés. Duchamp s'est rendu compte que l'art pouvait être de l'art en vertu de la force de ses idées, plutôt que de ses qualités esthétiques, et a soutenu son approche de l'art avec un ensemble d'œuvres vaste, complexe et très original. Peu d'artistes "conceptuels", voire aucun, ont poussé les idées de Duchamp plus loin que Duchamp lui-même.

Le terme «conceptuel» appartient plus correctement à l'œuvre de Sol LeWitt qui a rédigé des instructions pour réaliser des dessins muraux à réaliser par des assistants. L'art conceptuel est en réalité le processus de création d'une œuvre d'art en suivant des instructions prédéterminées, plutôt que sa signification contemporaine - qu'une œuvre d'art contient une idée qui est centrale à la compréhension de l'œuvre d'art.

16. C'est en partie le rôle de l'artiste de se poser des questions sur ce qu'est l'art, mais aussi de fournir des réponses. L'art ne peut généralement être qu'une réaction ou une protestation. Il a besoin de qualités qui le rendent suffisamment intéressant pour mériter d'être l'Art lui-même.

17. L'art est en grande partie, le jugement, car l'artiste saura que son travail est important même s'il n'a pas de précédent direct. Une partie du rôle de l'artiste est de voir une voie à suivre pour l'art.

18. L'artiste doit se préoccuper du bien-être de l'art.

19. Les techniques de peinture, ou l'apprentissage d'un instrument, ne sont pas particulièrement difficiles, c'est ce que l'on en fait qui est important.

20. L'art important fonctionne grâce à la concision; c'est la rigueur et la clarté de ses idées qui lui donnent du crédit.

21. Les percées sont, par définition, désordonnées.

22. Le point de vue romantique est de penser qu'il y a quelque chose de mystérieux dans l'acte de création, ce qui existe, mais les moments de création réelle sont rares, et on passe beaucoup de temps à faire des choses qui fournissent les structures pour permettre une telle création. moments pour avoir lieu.

23. Le processus d'engagement avec l'art est un processus de longue durée, un dialogue abstrait entre l'artefact et le spectateur.

24. Lorsqu'il s'agit d'idées multiples, il est plus facile de se référer aux images qu'au langage.

25. La nature abstraite de l'art, et de la culture en général, est, à une époque de matérialisme chronique, l'une des rares formes de signification tangible, et la raison, même obscurcie par les extrêmes financiers, pour laquelle l'art est valorisé.

26. Il est rarement débattu qu'il puisse y avoir des changements occasionnels dans l'art qui rendent la pratique actuelle obsolète.

27. L'avènement des nouvelles technologies ne signifie pas nécessairement de nouvelles formes d'art intéressantes. La technologie a joué avec l'élimination de la matérialité de l'art, ce qui rend difficile pour un spectateur de former un attachement émotionnel à un écran d'ordinateur ou à d'autres médias virtuels où les processus technologiques dictent une grande partie du résultat. L'authenticité artistique réside dans la totalité de l'œuvre d'art qui comprend le processus de fabrication. La technologie n'élimine pas la question du contenu.

28. La fonction la plus pratique de l'art est l'avancée des idées, car peu de gens ont l'expérience de voir les œuvres qu'ils connaissent encore par reproduction.

29. L'art répond aux impératifs sociaux et culturels. L'art important apparaît quand il est nécessaire.

30. La manière de comprendre l'art est généralement implicite dans l'œuvre d'art elle-même - en suivant le processus par lequel l'œuvre a été réalisée.

31. L'art projette des idées et des stratégies pour ce qu'est notre expérience de la réalité, s'ajoutant au recueil de définitions et de pratiques que la société appelle la culture. L'arrivée de nouvelles formes d'art nécessite généralement un ajustement à nos cadres de référence.

32. Un artiste a généralement vécu avec sa propre œuvre pendant des années ou des décennies avant qu'elle ne soit exposée et il faut souvent plusieurs années à l'artiste pour s'assurer qu'une œuvre est crédible. Un observateur occasionnel qui voit le travail pour la première fois n'est pas toujours en mesure de donner suffisamment de réflexion, de temps et d'attention, ou d'apporter une compréhension à la fois de l'histoire de l'art et du climat contemporain, pour savoir si une nouvelle forme d'art est viable.

33. Un artiste doit attendre d'être accepté jusqu'à ce que l'opinion consensuelle s'ennuie de ce qu'elle a célébré en dernier comme intéressant.

34. L'art est de son temps et les artistes font rarement des œuvres qui suivent les rythmes des changements sociétaux. Les idées fondamentales d'un artiste changent peu tout au long de sa carrière et ont généralement une homogénéité qui rend un auteur reconnaissable, même si un spectateur n'a jamais vu une œuvre particulière auparavant.

35. Un artiste fait une œuvre qui communique entièrement ce qu'elle est, sans aucun besoin d'explication, mais devrait être capable, si nécessaire, d'expliquer son travail d'une manière compréhensible.

36. Les difficultés sont inévitables pour les artistes tant que l'administration de la culture reste incapable de reconnaître et de pourvoir à de nouveaux artistes importants.

37. La nécessité d'organiser des expositions historiques thématiques qui risquent de dénaturer l'histoire de l'art, tout en rendant impossible la jouissance des œuvres en raison d'un surpeuplement massif, se fait sentir à quel point il y a peu d'art nouveau vraiment significatif.

38. L'art ne devrait généralement pas être vendu sur le marché libre parce que l'art fait partie du patrimoine commun de l'humanité et devrait être disponible et accessible à tous. La chance d'acquérir de nombreuses œuvres importantes pour les collections publiques a été perdue et il est peu probable que les sociétés assistent à nouveau au type de production artistique observée au cours des derniers siècles. Si les galeries et musées d'État avaient apprécié plus tôt l'art moderne, leurs collections seraient meilleures, valaient toujours plus comme atouts et attireraient plus de visiteurs en raison de la rigueur des collections. Laissant de côté la valeur culturelle de l'art, qui devrait en soi justifier le soutien de la culture, les arts apportent des sommes énormes à l'économie d'un pays et, par conséquent, un investissement culturel important est abordable.

39. Les sauts culturels les plus importants, souvent monumentaux, ont été réalisés avec le moindre matériel. Il y a quelque chose au-delà de la pratique matérielle qui donne un sens aux œuvres d'art historiques importantes - à savoir l'idée et ses ramifications, généralement obtenues par des changements dans l'accent et le raffinement d'un précédent historique en constante évolution, et très occasionnellement par des idées entièrement nouvelles. Créer quelque chose de nouveau et de valable est extrêmement difficile, car tant de choses ont déjà été exprimées et tant de formes d'expression ont été essayées. Lorsque nous écrivons un livre, nous ne réinventons pas le concept de langage.

40. Vous ne pouvez pas «expliquer» une œuvre d'art, ni même, dans la plupart des cas, en décrire une de manière adéquate. L'expérience d'une œuvre d'art a un effet qui dépasse le langage.

41. Une œuvre d'art a à peine besoin de contenu, telle peut être l'autorité de sa forme et de sa structure.

42. Les œuvres d'art font appel pour leur absence de superflu et pour leur sincérité.

43. L'art traite des choses si permanentes qu'elles font partie d'une réalité changée.

44. L'art est visuel et au-delà du langage.

45. L'art résume et articule la condition de son temps.

46. Compte tenu d'une histoire aussi longue, riche et diversifiée, et de l'extraordinaire popularité et importance des arts dans toutes les sociétés, une histoire de la culture devrait être présente dans les programmes scolaires, mais les activités et les matières créatives et artistiques sont à jamais marginalisées pour sauver. l’argent, ce qui rend l’éducation dans son ensemble encore plus limitée et inefficace.

47. Pour que chacun puisse profiter pleinement de tous les aspects des arts, toute politique culturelle devrait se préoccuper de l'accessibilité à l'échelle nationale aux œuvres d'art d'importance historique dans les musées et les collections publiques, et l'accès de tous aux activités créatives, à commencer par écoles, afin de bénéficier d’une expression personnelle et créative.

48. Lorsqu'on nous le demande, nous nous tournons vers l'art comme exemple des plus belles qualités de l'humanité, mais dans l'expérience quotidienne, les arts sont traités comme une indulgence et une ponction de ressources.

49. Le soutien aux artistes devrait être possible en identifiant le très petit nombre dont le travail est particulièrement significatif et en les aidant par des subventions et en achetant des œuvres pour les collections publiques. Un panel diversifié et constamment renouvelé de spécialistes respectés, de praticiens et de laïcs devrait être chargé de sélectionner un certain nombre d'artistes par an et ce processus devrait être transparent, le processus de sélection et les discussions avec l'artiste rendus publics. Les sociétés méritent un système d’administration des arts permettant aux artistes importants de gagner leur vie et d’acquérir des œuvres pour des collections accessibles au public.

50. Le développement de l'art peut être compris en observant les changements d'apparence qui, malgré les écarts parfois radicaux qui rythment l'histoire de l'art, sont perceptiblement naturels, cohérents et logiques. Après des siècles de représentation réaliste, les artistes de l'ère moderne ont réalisé que de nombreuses formes de représentation étaient possibles, choisissant de peindre d'une manière plus lâche, plus contemporaine et expressive, en représentant la vie quotidienne plutôt que les mythes et l'histoire ancienne, et en explorant la "matérialité "of art - éléments de base de l'art: couleur, ligne, surface, forme, échelle et matériau. Paul Cézanne et Pablo Picasso ont exploré les questions structurelles de la représentation bidimensionnelle d'un monde tridimensionnel. Wassily Kandinsky, Piet Mondian, Mark Rothko et d'autres ont réalisé que les abstractions de forme et de couleur contenaient un énorme potentiel d'expression spirituelle. Même après que Marcel Duchamp ait prédit la fin de l'art esthétique et que l'abstraction impliquait la fin d'un sujet reconnaissable, l'éthique figurative, à travers l'évolution des formes traditionnelles de peinture et de sculpture, est restée fondamentale dans l'art du XXe siècle.